L’artiste interdisciplinaire Anike Robinson associe l’histoire à l’art contemporain pour susciter le dialogue sur les perceptions contestées des Noirs dans le monde. Robinson se décrit elle-même comme une « chasseuse d’images qui documente des voyages provocateurs de la diaspora africaine à travers le temps et la géographie ». Son processus artistique soulève des questions importantes qui aident à « construire un discours communautaire en conversation avec des artistes, des activistes et des organisations artistiques et culturelles.

Robinson a étudié au Spelman College d’Atlanta, à Johns Hopkins University de Baltimore et au Maryland Institute College of Art de Baltimore. Éducatrice et écrivaine, avec une formation en conception de programmes scolaires de la maternelle à la terminale, elle enseigne dans le système scolaire public du comté de Montgomery, dans le Maryland, depuis 2015. Auparavant assistante artistique du peintre de champs de couleurs et artiste abstrait Sam Gilliam à Washington, D.C., Robinson est la créatrice et directrice de Books to Brushes, une organisation à but non lucratif qui engage les jeunes dans la justice sociale par le biais d’activités de lecture participatives et de projets artistiques dirigés par des instructeurs.

À l’aide de collages, d’objets trouvés et de peinture, l’artiste mixed media Ellington Robinson étudie la manière dont la culture et l’économie créent « les conteneurs politiques que nous appelons États et pays », ainsi que l’histoire de l’impérialisme mondial, du racisme et du classisme. What the Bantu Did Not See fait référence à la migration du peuple bantou à travers l’Afrique, qui s’est produite au milieu du deuxième millénaire avant notre ère et s’est terminée avant 1 500 ans avant notre ère. « Comment en arrivons-nous à notre longitude, notre latitude et notre altitude ? Le portrait s’approprie un masque Dan, qui est un portail vers le monde spirituel, puisant dans notre héritage ancestral, un horizon de l’océan Atlantique comme geste symbolique de l’entrée forcée dans le ‘Nouveau Monde’, et un phénotype qui symbolise notre présence physique dans le monde…Read More

Dans sa pratique artistique, qu’il qualifie en grande partie de « Pop archéologique », Ghislain Brown-Kossi incorpore des formes abstraites et des couleurs vives à des symboles universels pour analyser les liens entre différentes cultures et inciter les spectateurs à découvrir des modes de vie différents des leurs. Artifact 015 fait partie de sa série Artifact, qui explore le concept de temporalité. Alors que les surfaces texturées de plâtre et de sable symbolisent le passé, les couleurs vives de l’acrylique représentent l’avenir. L’œuvre explore la recherche de Brown-Kossi pour les « espaces spatio-temporels », rappelant la mémoire de ce qui est perdu et regardant vers ce qui est à découvrir…Read More

La pratique de l’artiste mixed-media Asha Elana Casey est influencée par les histoires, la littérature de la diaspora ainsi que le folklore africain et afro-américain et les récits personnels. Son œuvre est centrée sur ce qu’elle appelle « la piété et la préservation de soi », qui sont importantes pour la culture spirituelle afro-américaine, et son objectif est d’éterniser ses sujets et leur histoire tout en les plaçant dans des positions de pouvoir. Asha and Ori, de la série The One Who Rules My Head, représente une Casey aux cheveux blancs et son Ori, un esprit divin qui guide la tête comme une conscience. Muse fait partie de la série The God Self, dans laquelle Casey représente sa famille et ses amis sous leur aspect le plus élevé, en donnant une signification spirituelle aux paillettes, au verre, aux strass et aux plantes…Read More

Zsudayka Nzinga est une artiste autodidacte multidisciplinaire, conservatrice et éducatrice. Elle définit son travail comme une « anthropologie culturelle » et cherche à capturer les moments de la vie quotidienne à travers la perspective de l’identité noire. Elle utilise l’acrylique, le tissu, le papier décoratif et teint à la main, l’encre, la barre à l’huile, l’impression en relief et le vinyle dans son travail et incorpore des thèmes historiques en mélangeant la mode victorienne et américaine avec le design africain. « Mon travail vise à remettre en question la notion selon laquelle la culture et l’identité noires sont séparées de la culture américaine ; au contraire, la culture américaine est très imprégnée de noirceur, étant donné son utilisation évolutive de la langue, de la mode, de la décoration intérieure, de la musique et de l’adoption de normes culturelles. En tant qu’Américaine qui n’est pas toujours perçue et engagée comme Américaine en raison des complexités de la diaspora, j’invite les spectateurs à interagir avec mes œuvres et à trouver les similitudes entre nous tout en célébrant les différences, dit-elle…Read More

Les peintures pleines d’âme de James Terrell reflètent des expériences de vie partagées et cherchent à attirer des spectateurs divers. Selon James Terrell, ses œuvres « régénèrent, provoquent et inspirent les pensées conscientes et inconscientes qui entourent l’âme ». Les lignes délicatement placées et superposées dans l’art rappellent les fils électriques qui transportent le courant de la mobilité et de la vitalité spirituelles. Mon art cherche à emmener le spectateur dans un voyage visuel à travers les lieux silencieux entre les pensées, permettant ainsi la révélation et la transformation de la conscience humaine…Read More

Également connue sous le nom de Cita Sadeli, MISS CHELOVE est une directrice artistique, conceptrice et artiste multimédia indépendante. Son œuvre est ancrée dans ses origines multiculturelles et ses expériences de vie, du « mysticisme tropical » de Java, en Indonésie, aux « rues punk, go-go et graffiti » de Washington, D.C. Chaque composition rend hommage aux communautés locales et tisse des images emblématiques du passé et du présent. Les thèmes abordés sont les femmes de couleur puissantes, la nature, les cultures indigènes et les sous-cultures de la rue, ainsi que les questions environnementales et sociétales. Amazon Love Letter célèbre les sociétés tropicales vibrantes de la Terre, tout en présentant « le mouvement énergique et l’immédiateté du graffiti de rue »…Read More

La littérature, la philosophie et le langage jouent un rôle majeur dans la pratique artistique de Sess Essoh. En grandissant, Essoh a été inspiré par le journal que son père tenait quotidiennement et a été fasciné par les célébrations et les rites traditionnels de sa communauté en Côte d’Ivoire. Plus tard, touché par le monde urbain d’Abidjan, il utilise la poésie et l’écriture pour évaluer l’environnement sociopolitique au sens large, qu’il considère comme en perte de repères ou de valeurs. Essoh s’est orienté vers les collages et les graphèmes, plaçant des feuilles dorées ou des crépons colorés sur des toiles ou des supports éphémères tels que des cartons et des pages d’archives. Cardinals’ Poetry #3 fait partie de la série Origin of a Cardinal d’Essoh, qui « s’intéresse à des figures emblématiques qui ont marqué l’histoire du continent, en dialoguant avec des figures de l’ombre qui attendent leur réhabilitation »…Read More

Gwendolyn D. Aqui-Brooks crée des peintures en mix media, des couettes contemporaines, des collages et des altered books inspirés de ses voyages, ses réflexions et ses interprétations de l’actualité. Grandma’s Hands s’inspire de la chanson du même titre de l’auteur-compositeur-interprète de soul et R&B Bill Withers. Spirit Woman dépeint une femme connue pour ses dons spirituels et qui communie avec les visiteurs des villages voisins. The Ceremony met en scène un serpent, symbole important utilisé dans diverses cérémonies peintes par l’artiste.

Aqui-Brooks a obtenu une licence de beaux-arts en éducation artistique à Howard University à Washington, D.C., et une maîtrise en éducation au Trinity College de Hartford, Connecticut. Elle a enseigné l’art aux États-Unis et en Afrique. Ses œuvres ont été exposées au James Museum of Western and Wildlife Art, à St. Petersburg, en Floride, et à l’African American Museum, à Philadelphie.

Chanel Compton est convaincue que l’art est un véhicule qui relie les gens entre eux. Ses peintures abstraites, ses mosaïques et ses portraits traduisent les expériences, l’histoire et l’identité de la diaspora noire et explorent « les conflits physiques et spirituels de la libération externe et interne ». Josephine a été réalisée à partir de l’image de l’actrice, danseuse et chanteuse française Joséphine Baker, prise par le photographe français G.L. Manuel Frères. Dans cette œuvre, Compton révèle la beauté, la force et la vulnérabilité de Baker…Read More

L’artiste mixed-média Michael Booker crée des œuvres qui englobent l’histoire et la culture afro-américaines. Les sujets et les formes de ses peintures font référence à la musique hip-hop, aux tissus wax africains et aux couettes de Gee’s Bend ; tirant leur nom d’une communauté isolée de femmes asservies de l’Alabama qui cousaient des couettes aux motifs abstraits à partir de vêtements et de morceaux de tissus, transmettant ainsi leurs techniques aux générations futures. Dessiné au stylo-feutre, Stay Lost Until OMNI présente une « construction littérale et métaphorique d’une communauté parallèle utopique et afro-futuriste » qui est autosuffisante et autonome. « Read More

La conservatrice, photographe indépendante et entrepreneure dans le domaine de l’éducation Aïda Muluneh puise son inspiration dans le « hasard » de sa vie quotidienne à Addis-Abeba, en Éthiopie. Lorsqu’elle s’y est installée en 2007, Muluneh a cherché à capturer le plus de moments possibles, en particulier ses rencontres avec les habitants, les rues et les lumières de la ville. Basé sur son expérience de photojournaliste, l’art de Muluneh l’aide à exprimer ses émotions et ses pensées. Addis Neger fait partie de sa série Mirror of Soul. Directement inspirée de la prose de la célèbre poétesse afro-américaine Nikki Giovanni, cette photographie enseigne aux spectateurs comment embrasser et gérer les moments d’incertitude et d’imprévisibilité…Read More

Acteur, mannequin et artiste visuel, Joël Williams utilise une authentique « touche afro-moderne » pour mettre en valeur ses photographies de mode. Basée sur une direction artistique excentrique, sa démarche photographique se compose « d’angles, de perspectives et de mises en scène visant à reproduire fidèlement l’idée originale ». Des couleurs inattendues et contrastées rendent ses photographies uniques et porteuses d’une identité propre…Read More

Les photographies de Kader Diaby, photographe, directeur artistique et créateur de mode, sont des histoires visuelles qui dépassent les stéréotypes pour exprimer « les subtilités de nos vies » et ce qui unit les gens. Son travail remet en question « la concordance entre nos identités intimes et collectives » et cherche à redéfinir « les multiples façons d’être africain aujourd’hui, afin de passer d’une identité subie à une identité choisie »…Read More

Zahui Yvann a commencé sa carrière artistique à l’âge de quinze ans, en étudiant la réalisation de films et l’infographie multimédia à Abidjan. Inspiré par l’afrofuturisme, un mouvement artistique qui aborde des thèmes noirs dans le contexte de la technoculture et de la science-fiction du XXe siècle, la technique artistique de Zahui Yvann exprime son identité africaine et se concentre sur les dures réalités auxquelles est confrontée la génération actuelle. End of the World – The Innocent Target transmet le point de vue d’Yvann : « Les enfants dans les guerres n’ont pas demandé à être des victimes. La guerre s’est simplement présentée à eux, les empêchant d’aller à l’école et les marquant à vie. Nous devons tous rester fermes et résistants face à ce qui nous arrive. »

La photographe Aurélie Tiffy met en lumière les attitudes sociétales à travers ses images en noir et blanc. Un autre regard sur l’Abissa – L’inconnu a été pris pendant le festival annuel de l’Abissa. Organisé depuis plus de trois siècles pour honorer et respecter les valeurs ancestrales, ce festival marque le début de la nouvelle année pour le peuple N’Zima du groupe Akan de Côte d’Ivoire.Read More

Olivier Khouadiani est un photographe documentaire ivoirien basé à Abidjan. Abissa fait partie d’une série photographique de Khouadiani sur le concept de la danse. Elle dépeint la cérémonie traditionnelle de commémoration de la nouvelle année pour la communauté Nzima en Côte d’Ivoire. Cette fête d’action de grâce honore les ancêtres – en d’autres termes, une célébration du « partage et de la transmission entre l’ancienne et la nouvelle génération » – et met en scène une danse rythmique accompagnée de sons de l’instrument de percussion qu’est le tam-tam…Read More

Jean Servais Somian est un sculpteur, ébéniste et designer dont les pièces sculpturales ont un but fonctionnel et utilitaire. Somian transforme le bois en créations contemporaines remarquables aux lignes épurées, aux formes colorées avec des éléments ancestraux, tout en « transformant les stéréotypes occidentaux de la Côte d’Ivoire en célébrations visuelles ». Il utilise du bois de cocotier, d’ébène ou d’amazakoue et inclut des objets ordinaires de la vie africaine tels que des éponges, des bassines ou de vieilles pirogues de pêcheurs. « Je prends les troncs tels qu’ils sont. Je les laisse dans leur écriture, sans les redresser. Ce qui est dans la nature n’est pas droit », dit Somian…Read More